Классическая музыка (CD)

The Unchanging Sea" - последнее произведение в многолетнем сотрудничестве композитора Майкла Гордона и режиссера Билла Моррисона. Это уже пятое произведение для оркестра за почти два десятилетия их сотрудничества. Начиная с "Деказии" в 2001 году, они выработали стиль, сочетающий в себе гипнотическую музыку Гордона и искусные манипуляции Моррисона со старыми, распадающимися кинопленками, что создает ощущение сновидения, причудливого, ностальгического и вдохновляющего.

В основу "Неизменного моря", созданного по заказу и в исполнении Симфонического оркестра Сиэтла, положен электризующий концерт Гордона для пианистки-виртуоза и мультимедийного художника Томоко Мукаямы. Хотя название и визуальный материал отсылают к короткометражному фильму 1910 года режиссера немого кино Д. У. Гриффита, в фильм Моррисона включены кадры, снятые в Сиэтле в 1897 году, когда в разгар золотой лихорадки пароход S. S. Willamette с 800 пассажирами и 300 лошадьми отплыл из Пьюджет-Саунд в сторону Клондайка.

The Unchanging Sea - это двойной CD + DVD. Компакт-диск включает композицию-компаньон "Пекинская гармония", также исполненную Симфоническим оркестром Сиэтла. Вдохновленный посещением Эхо-стены в пекинском Храме Неба, Гордон представил себе звук, отражающийся от каменных полов и зданий, создавая эхо-фанфару - звуковой всплеск и звон, постепенно набирающий силу и свирепость".

Отзывы

М. Хенгельброк в "Фонофоруме" 11/96: "То, что дирижер снова имеет в своем распоряжении вокруг него прекрасная команда молодых музыкантов, что вокал что вокальное и инструментальное исполнение без инструментальное исполнение без исключения высочайшего высочайшего уровня, что темперамент Интерпретации не страдает от чрезвычайно чрезвычайно добросовестной точности репетиций все это кажется почти очевидным в случае с Кристи Однако в этой записи примечательно то что еще отчетливее, чем обычно, чувствуешь, как хорошо Кристи чувствует себя в своей стихии - музыке XVII века Век

За свою 25-летнюю карьеру Дайана Кралл добилась практически всего: несколько альбомов номер один, пять "Грэмми", восемь премий "Джуно", три "Эхо", девять золотых, три платиновых и семь мультиплатиновых альбомов по всему миру.

Но до сих пор нет никаких признаков перерыва или даже конца для канадки. Наоборот: "Turn Up The Quiet" - это ее альбом 2017 года, который возвращает ее к истокам.

Диана Кралл возвращается к своим корням

"Turn Up The Quiet" - так называется новый альбом Дианы Кралл. Название говорит о том, что во времена, когда мир стал слишком шумным, канадская джазовая певица и пианистка предается тишине.

Кралл выбрала одиннадцать песен из "Великого американского песенника", которым она придает на "Turn Up The Quiet" безошибочно чувственное, трещащее платье.

В альбом включена джазовая классика, ставшая известной благодаря интерпретациям Эллы Фицджеральд, Нэта Кинга Коула, Фрэнка Синатры, Тони Беннетта и других легенд.

Над записью "Turn Up The Quiet" Диана Кралл работала не иначе как с продюсером Томми Липумой. Он уже стоял за пультом управления некоторыми из ее самых успешных альбомов, включая "The Look Of Love" и "Love Scenes".

Когда-то Дайана Кралл начинала свою мировую карьеру с джазовой классики и песен из "Американского песенника". в 2017 году она возвращается к своим корням. Перед вами песня "Turn Up The Quiet".

Отзывы

"В целом альбом, с которым Дайана Кралл доставляет огромное удовольствие своим поклонникам" (LP, выпуск 6/2017)

Отзывы

FonoForum 2/1995: "Какая харизма исходит от этой интерпретации! Между двумя исполнителями есть песни-близнецы, которые не могли бы быть более гармоничными."

Информация о продукте

Мало кто из норвежцев получил такую широкую известность и произвел такое глубокое впечатление, как Григ. Врожденная мелодичность и жизненная сила музыки Грига снискали ему признание многих поколений любителей музыки во всем мире, и сегодня эта музыка кажется такой же свежей, как и в момент ее создания. Ее притягательность заключается не только в ярко выраженном национальном характере, но и в универсальности человеческих чувств, выраженных в ее музыке. Таким образом, творчество Грига является воплощением его собственного творческого кредо: "Прежде всего, нужно быть человеком. Все истинное искусство вырастает из того, что характерно для человека"

Эдвард Григ (1843-1907), один из самых ярких представителей норвежской музыкальной школы, мастер фортепианной миниатюры, камерной и вокальной музыки, стал известен миру как композитор к драме Генриха Ибсена "Пеер Гюнт". Получив в 1874 году письмо от талантливого драматурга и театрального деятеля, Григ очень заинтересовался готовящимся произведением. Предложение было очень привлекательным, так как Григ, по его признанию, очень ценил и любил поэтические произведения Ибсена. Красота норвежской природы оказала сильное влияние на композитора во время работы над музыкой к драме в 1874-1875 гг. Григ по-своему интерпретировал сюжет драмы, усилив его лирические черты и введя пейзажные описания.

Каждая вещь в музыке Грига раскрывает тот или иной образ/персонаж драмы, передает психологическую ситуацию героев. Жизнь и судьба Пера Гюнта - главная тема повествования. Будучи мечтателем и фантазером, он проходит путь от деревенского простака до Креза. Однако мы наблюдаем изменения в его характере, его духовную деградацию. Через образ Пера Гюнта Ибсен осуждает разрушительную силу человеческого эгоизма, побуждающего людей к множеству дурных поступков.

Музыка к "Пееру Гюнту" получила всеобщее признание в виде двух оркестровых сюит. Номера первой сюиты (1888 г.) вводят контрастные образы драмы: лирическое настроение "Утра" сочетается с драматизмом "Смерти Аазы" (она была матерью Пера Гюнта); скерцо "Танец Анитры" (арабской девушки) противостоит яркой и динамичной зарисовке "В зале горного короля". Вторая сюита также написана на контрасте (1896): поэтический центр - "Песня Сольвейг", создающая образ любящей крестьянки, которая всю жизнь ждет Пеера Гюнта в маленькой хижине в горном лесу.

Мастерство Грига в переложении музыки для оркестра нашло отражение в сюитах. Сюита "Хольберг" (1884-1885) ярко демонстрирует мастерство Грига в сочинении для струнного оркестра. Это стилизация старинной сюиты эпохи Баха и Генделя. Сюита была приурочена к 200-летию скандинавского Мольера, норвежского драматурга и просветителя Людвига Хольберга. В сюите использованы не только характерные для музыки XVIII века названия частей - Прелюдия, Сарабанда, Гавот, Ария, Ригодон; использованы и соответствующие средства музыкальной выразительности - форма частей, гармонические особенности, способы оркестровки, орнаментация мелодии. Первоначально пьеса была написана для фортепиано, и только через год Григ ее оркестровал.

Четыре фортепианные миниатюры из пятой книги "Лирических пьес", создававшиеся на протяжении всей жизни композитора, составляют так называемую "Лирическую сюиту для оркестра". Здесь и зарисовка северного пейзажа ("Маленький пастух"), и странные образы из фольклора ("Марш гномов"), и мгновенная зарисовка душевного настроения ("Ноктюрн").

Имя Геннадия Рожественского (1931) широко известно во всем мире. Он воспитывался в семье знаменитых музыкантов - дирижера Николая Аносова и певицы Натальи Рождественской. Учеба в Центральной музыкальной школе при Московской академии музыки, а затем и в самой академии в классе талантливого пианиста Льва Оборина, уроки дирижирования с отцом привели его за дирижерский пульт Большого театра. В течение многих лет жизнь талантливого артиста была неразрывно связана с Большим театром: с 1951 по 1960 год он работал дирижером балета, с 1978 по 1983 год - оперным дирижером. В течение 15 лет он был ведущим дирижером - с 1965 по 1970 г. В сентябре 2000 года Рождественский был назначен на должность генерального художественного руководителя, которую занимал в течение всего следующего сезона.

Репертуар маэстро насчитывал около 40 оперных и балетных постановок. Он первым поставил в СССР оперу "Человеческий голос" Ф. Пуленка (1965) и "Сон в летнюю ночь" Б. Бриттена (1965). К 225-летию Большого театра Рождественский подготовил мировую премьеру оперы С. Прокофьева "Игрок" во второй авторской редакции.

Помимо работы в Большом театре Рождественский был ведущим музыкальным руководителем Московского камерного музыкального театра, где вернул к новой жизни оперы "Нос" Д. Шостаковича и "Ход граблей" И. Стравинского.

С 1950-х годов имя Рождественского стало хорошо известно не только любителям оперной, но и симфонической музыки. За свою творческую жизнь маэстро Рождественский дирижировал практически всеми выдающимися российскими и зарубежными симфоническими оркестрами. В 1961-1974 гг. он был ведущим дирижером и художественным руководителем Большого симфонического оркестра Государственной российской радиовещательной компании. К середине 70-х годов Рождественский стал одним из самых авторитетных и компетентных дирижеров Европы. В 1974-1977 годах он был ведущим дирижером Стокгольмского симфонического оркестра, затем в 1978-1981 годах возглавлял Симфонический оркестр Би-Би-Си, а в 1980-1982 годах - Венский филармонический оркестр.

В 1982 году дирижер возглавил созданный незадолго до этого Государственный симфонический оркестр Министерства культуры СССР. За время его руководства оркестром были осуществлены такие уникальные программы, как "Брукнер и его время", записаны все симфонии Брукнера, Малера, Глазунова, Шостаковича.

Как один из самых ярких интерпретаторов музыки XX века Рождественский познакомил своих соотечественников с неизвестными произведениями А. Брукнера, А. Шенберга, П. Хиндемита, Б. Бартока, О. Мессиана, Д. Мийо, А. Хонеггера, И. Стравинского. Дирижировал оркестром при премьерном исполнении произведений Р. Щедрина, С. Слонимского, А. Эшпая, Б. Тищенко, А. Шнитке, С. Губайдуллиной, Э. Денисова, Я. Тавенера.

Дмитрий Китаенко родился в 1940 году в Ленинграде (ныне Санкт-Петербург). Он принадлежит к плеяде крупнейших дирижеров современности. Учился в музыкальном училище имени Глинки и в Петербургской академии музыки. Окончив ее, он продолжил обучение в аспирантуре Московской академии музыки в классе Льва Гинзбурга. Затем у него преподавали профессора Ч. Свароваки и С. Остерейхер.

В 1969 году Дмитрий Китаенко был удостоен второй премии на Международном конкурсе дирижеров имени Караяна в Берлине. Другим значительным событием стало его сотрудничество с выдающимся немецким оперным режиссером и профессором Б. Фельзенштейном стало еще одним значительным событием в его жизни. Результатом их совместной работы стало историческое исполнение "Кармен-сюиты" Бизе в Москве и Берлине.

В 29 лет Китаенко был назначен ведущим дирижером Музыкального театра имени Станиславского и Немировича-Данченко, где осуществил множество оперных постановок. Он много гастролировал по России и за рубежом. Работал за пультом лучших симфонических оркестров мира, в том числе Венского, Берлинского, Пражского филармонических оркестров, Филадельфийского оркестра.

С 1976 по 1990 год Китаенко работал ведущим дирижером симфонического оркестра Московской филармонии. Под его руководством оркестр много гастролировал в Европе, США и Японии, участвуя во многих престижных музыкальных фестивалях. В это же время ему удалось осуществить постановки "Пиковой дамы" П. Чайковского (1982) и "Бориса Годунова" М. Мусоргского в Венском оперном театре.

Начиная с 1990 года маэстро работал за рубежом в качестве ведущего дирижера таких оркестров, как Оркестр Франкфуртского радио (1990-1996), Бергенский филармонический оркестр в Норвегии (1990-1998), Бернский симфонический оркестр в Швейцарии. Кроме того, он гастролирует с другими известными симфоническими оркестрами.

Наиболее выдающимися записями, сделанными под его руководством, являются сборники избранных произведений А. Скрябина, С. Рахманинова, И. Стравинского, С. Прокофьева, Э. Грига, Н. Римского-Корсакова. Много времени и сил Китаенко уделяет воспитанию и поддержке молодых и талантливых музыкантов.

В 1999 году Дмитрий Китаенко стал ведущим дирижером оркестра KBS, играющего важную роль в музыкальной жизни Кореи. Сотрудничество маэстро с этим оркестром привлекает на его концерты множество благодарных слушателей. В 2002 году оркестр KBS под управлением Китаенко успешно гастролировал в Японии и Китае.

Новая изюминка Vivaldi Edition: опера "Дорилла в Темпе". Vivaldi Edition, начатое в начале 2000-х годов, возвращается: с оперой "Дорилла в Темпе" после двухлетнего перерыва выходит 55-я запись в серии, представляющая на суд слушателей полное собрание сочинений Антонио Вивальди, хранящееся в Национальной библиотеке в Турине.

Действие оперы происходит в древнем царском дворе Темпе, где принцесса Дорилла, влюбленная в пастуха и почти обреченная на смерть драконом Пифоном, спасена богом Аполлоном. опера "Дорилла в Темпе" была записана фирмой I Barocchisti под руководством Диего Фазолиса с впечатляющим составом исполнителей сольных партий и продолжает серию выдающихся записей, таких как оперы "Орландо фуриозо" или "Фарнас".

Сопроводительная книга на 108 страницах, также на немецком языке, содержит полное либретто, портреты исполнителей и музыкально-историческую локализацию произведения.

Отзывы

"Оркестр тонко сбалансирован, демонстрируя в следующий момент сельские гулкие призывы рогов и изящные переливы струнных. Речитативы кажутся сценически лаконичными, как диалоги из пьесы... На каждом шагу этой красочной двух с половиной часовой оперы можно обнаружить новую звуковую деталь, как в музыкальном саду природы. Но прежде всего чувствуешь себя гостем праздника певцов... Еще одна жемчужина в серии "Вивальди" лейбла Naïve, которая насчитывает уже 55 изданий" (Фонофорум, апрель 2018)

Отзывы

ALL MUSIC GUIDE *** "Открываясь пасторальной "Hidden Treasure", "Low Spark" легко, почти лениво, перетекает в последнюю песню "Rainmaker" группа немного встряхивается в "Rainmaker" немного встряхнуться в песнях "Rock & Roll Stew" и "Light Up or leave Me Alone". Заглавная композиция длится более 12 минут 12 минут космического джема - один из самых известных FM-хитов Traffic самых известных FM-хитов Traffic" ГИД ПО АЛЬБОМАМ ROLLING STONE ***

Мастер танго нуэво: Долгое время танго имело в Аргентине дурную репутацию, считалось откровенно оскорбительным. Неудивительно, что молодой аргентинец Астор Пьяццолла искал свое вдохновение в европейской художественной музыке. В Европе танго только входило в моду, и композитор нашел путь к своим корням, к своему собственному музыкальному голосу. Соединив европейские влияния с ритмами, страстью и чувственностью аргентинского танго, Пьяццолла создал новую, самобытную и восхитительную форму искусства - танго нуэво.

Информация о продукте:

Симфония судьбы Чайковского
"À mon meilleur ami" - для моего лучшего друга. Это посвящение Чайковский написал к своей четвертой симфонии. Посвятительницей действительно была женщина: Надежда фон Мекк, его покровительница и вторая половинка, а вместе с братом Модестом - человек, которому композитор открылся с наибольшей искренностью. Если бы не переписка Чайковского с богатой вдовой железнодорожного инженера, многие тайны сложной личности русского романтика остались бы неразгаданными и по сей день.

Начало сочинения Четвертой симфонии можно отнести к декабрю 1876 года, одновременно со знакомством и началом переписки с фрау фон Мекк. Начало его несчастливого брака с Антониной Милюковой также совпадает со временем работы над симфонией. Студентка Московской консерватории влюбилась в Чайковского и вынудила его к знакомству, написав угрозы самоубийства; через несколько месяцев пара поженилась, договорившись о чисто братских отношениях. Вскоре выяснилось, что компромисс, который должен был обеспечить гомосексуалисту Чайковскому удобное алиби и сблизить влюбленную девушку с ее возлюбленным, оказался иллюзией: "Не успел совершиться обряд бракосочетания, не успел я остаться один с женой и не успел я понять, что судьба связала нас неразрывно, как вдруг понял, что я чувствую к ней даже не дружбу, а, в прямом смысле слова, отвращение", - писал Чайковский спустя всего три недели после свадьбы.

Личные переживания, похоже, не помешали работе над симфонией: "Я работаю над симфонией с большим воодушевлением. Первая часть почти закончена. Я могу с уверенностью утверждать, что это лучшее, что я когда-либо написал", - узнает фрау фон Мекк спустя всего несколько недель после его сетований на несчастливый брак. Когда на рубеже 1877/78 гг. произведение было закончено, композитор написал своему другу по переписке, добавив к посвящению: "Как я счастлив, что это наша симфония и что ты будешь знать, как я думал о тебе в каждом такте. Без тебя я никогда бы не написал эту симфонию"

По просьбе Надежды фон Мекк Чайковский написал подробную программу Симфонии № 4 фа минор: мотив судьбы в начале первой части он назвал стержнем всего произведения и рассказал о "непрестанном чередовании жестокой действительности, мимолетных видений и радостных грез".